« Il n’y a pas d’âge pour être nostalgique » : rencontre avec Zélie, chanteuse de 21 ans, qui sort un premier EP pop et mélancolique
La jeune artiste partage son univers dans son premier EP “Zélie, c’est quoi ?”, sorti le 24 février. Elle raconte à franceinfo cette toute nouvelle expérience.
Autrice-compositrice-interprète depuis deux ans, Zélie a sorti son premier EP de neuf titres le 24 février. Un mélange de pop et de variété française avec une touche urbaine. Elle sera en concert au Badaboum, à Paris, le 18 mars, pour se confronter au public.
Baignée dans la variété française dès son plus jeune âge grâce à son père, Zélie a toujours eu un attrait particulier pour la musique, mais son envie d’en faire son métier est arrivée bien plus tard. Sa passion, c’était la danse : « J’en faisais vingt heures par semaine quand j’étais petite, j’ai fait une scolarité à horaires aménagés donc j’allais à l’école le matin et je faisais de la danse l’après-midi ». Son rêve, après le bac, est de devenir danseuse mais, lors de son année de terminale, la jeune artiste se pose beaucoup de questions sur son avenir. « La danse me plaisait de moins en moins, je savais qu’il fallait partir à l’étranger pour faire des formations de danseur contemporain, mais je n’avais pas envie de partir », confie Zélie. Elle arrête donc son école de danse. Ayant ses après-midi libres, elle se découvre une nouvelle passion : écrire des chansons et les poster sur les réseaux sociaux.
« Tu fais mille métiers à la fois »
Après son baccalauréat, elle intègre les cours Florent musique. Pendant sa scolarité, il y a deux ans, elle est repérée par le label Low Wood, avec lequel elle signe un contrat. Un nouveau monde s’offre à elle. « Je composais énormément par plaisir mais je ne visualisais pas ce que c’était de développer un projet et une identité artistique, de donner envie aux gens d’écouter ma musique. Quand le label m’a contactée, ça a un peu tout chamboulé. J’ai dû prendre certaines responsabilités mais ça n’a fait qu’augmenter ma passion parce que même le côté stratégie, marketing, la création de clips et de pochettes, j’adore. Tu fais mille métiers à la fois. »
Et même si la jeune chanteuse manque encore un peu de confiance – la concurrence est rude, il faut se démarquer –, elle comprend rapidement que ce monde de la musique est fait pour elle : « C‘était une évidence. De toute façon, je ne sais pas faire autre chose. »
« J’étais plus heureuse quand j’étais plus insouciante »
Après deux ans de travail, Zélie sort un EP teinté de nostalgie, un peu surprenant lorsque l’on a 20 ans. « La nostalgie, c’est ma principale source d’inspiration. Je pense qu’il n’y a pas d’âge pour être nostalgique. Je suis nostalgique de cette période où je ne pensais pas à mon futur, à mes responsabilités de femme et d’adulte. Je trouve qu’il y a eu une vraie transition entre 19 et 20 ans, un peu violente avec le Covid. Je fais partie d’une génération qui n’a pas eu beaucoup de chance », raconte-t-elle. « Mes chansons parlent de transitions que j’ai parfois mal vécues parce que j’étais plus heureuse quand j’étais plus insouciante, quand j’allais en cours ou boire des cafés avec mes potes. Maintenant, je suis un peu obsédée par la musique, il y a beaucoup de questions qui viennent, donc beaucoup d’angoisse. »
Une insouciance qu’elle retrouve lors de soirées avec des amis. « On fait la fête et on boit de l’alcool pour retrouver cette insouciance. Les soirs où je sors avec mes amis, il n’y a aucune angoisse, c’est vraiment des moments hors du temps, tu n’es pas dans la vraie vie. » Et d’ajouter : « Quand on devient adulte, on perd quelque chose mais, en même temps, plus on se connaît, plus on sait ce qui va nous rendre heureux. On passe juste à une autre ère. » Elle en parle dans une de ses chansons, C’est mon truc.
A travers son EP, Zélie souhaite que tout le monde, peu importe l’âge et la sensibilité, puisse se reconnaître : « Même les personnes moins sensibles peuvent se retrouver dans la transition, la déception, la joie, la tristesse, on passe tous par là. J’ai envie de transmettre quelque chose d’intime et d’humain auquel tout le monde peut s’identifier. »
Inspirée par Angèle ou Lomepal
Zélie définit sa musique comme étant de la « pop urbaine » : « Ce que je fais, c’est de la pop, mais il y a un peu plus d’urbain que dans certaines pop plus classiques. » Un choix tout à fait logique lorsqu’on connaît ses inspirations musicales : « J’écoute de la pop francophone comme Emma Peters, Angèle, Ben Mazué, et du rap français comme Disiz, Lomepal ou encore Orelsan. »
Des artistes qui se dévoilent sans filtre dans leurs chansons, comme Zélie dans son titre Merci, le premier de l’EP : « Je l’ai écrit rapidement et d’une traite, ça venait du cœur, je n’ai pas mis de filtre. Je n’avais jamais pensé à écrire sur le fait de vouloir être chanteur, de recevoir du soutien, d’être ému par ça. J’étais assez fière. Et c’est celle qui m’a fait le plus pleurer, c’est la première fois que je me suis sentie vraiment moi-même. »
La jeune chanteuse a « vraiment hâte » de se produire devant le public parisien le 18 mars : « Ça va me donner beaucoup de confiance. » Son prochain objectif : se produire dans des salles parisiennes telles que le Café de la danse et découvrir un jour l’adrénaline de la tournée.
Zélie au Badaboum, à Paris, le 18 mars à partir de 19 heures.
Martinho da Vila est l’une des têtes d’affiche du BR Fest à Figueira da Foz.
Martinho da Vila est l’une des têtes d’affiche du festival BR Fest, consacré à la culture brésilienne et prévu en juillet, sur la plage de Figueira da Foz, a annoncé aujourd’hui l’organisation.
Le producteur MOT — Memories of Tomorrow a annoncé aujourd’hui les quatre premiers artistes du festival, prévu les 15 et 16 juillet à Praia do Relógio.
Outre Martinho da Vila, 84 ans, l’une des légendes de la samba, la première journée du BR Fest sera marquée par Pocah, une chanteuse et compositrice brésilienne de 28 ans qui, il y a une dizaine d’années, a commencé sa carrière musicale et s’est fait connaître dans tout le Brésil avec le tube « Mulher do Poder ».
Le 16 juillet, un dimanche, le programme déjà connu comprend le funk carioca de Kevin o Chris, 25 ans, un retour dans le quartier de Coimbra, où il s’est produit en mai, devant environ 30 mille personnes, à Queima das Fitas.
L’autre nom annoncé aujourd’hui est celui de Gloria Groove, chanteuse, rappeuse et « drag queen » brésilienne, qui, selon l’organisation, « déchire les préjugés jour après jour » dans ses spectacles.
Dans un communiqué de presse envoyé à l’agence de presse Lusa, le producteur du MOT a déclaré que le BR Fest aura « un line-up éclectique qui servira de pont entre les deux côtés de l’Atlantique » et sera « la maison de la musique et de la culture brésiliennes l’été prochain ».
« Cela faisait longtemps que nous pensions à préparer un événement de dimension pour la communauté brésilienne vivant au Portugal. Cet événement a été planifié en écoutant les opinions de cette même communauté, en impliquant certaines personnalités brésiliennes et en concevant quelque chose qui exalte l’esprit culturel du pays frère », a déclaré Tiago Castelo Branco, directeur exécutif de la MOT, cité dans la note.
L’ancien joueur de football et ancien gardien de but du FC Porto, Helton Arruda, ambassadeur du BR Fest, aujourd’hui musicien et homme d’affaires « amoureux de la musique », considère le festival comme « quelque chose de différent ».
« J’ai réalisé que ce festival avait tout pour être un succès et serait une grande opportunité pour les Brésiliens et les Portugais de se retrouver ensemble dans un événement célébrant le monde brésilien. Je suis très heureux d’aider à construire ce pont entre deux pays que j’aime tant », a souligné Helton Arruda.
Dans de précédentes déclarations à Lusa, Tiago Castelo Branco a indiqué que BR Fest « vise à transformer Figueira da Foz en capitale brésilienne du Portugal » et n’est pas seulement dédié à la communauté brésilienne vivant dans le pays, estimée à environ 280 000 citoyens enregistrés, mais à tous les fans de musique, de gastronomie et d’art brésilien.
« Il s’agit d’un festival du centre du Portugal, qui se déroule sur la plage et en été », a souligné le directeur exécutif du MOT, notant que l’événement a lieu dans une ville équidistante en distance territoriale des principaux lieux (Lisbonne, Porto et Braga) où réside la communauté brésilienne.
« Le Portugal possède des festivals pour tous les genres, mais il n’en existe aucun de cette dimension consacré à la musique et à la culture brésiliennes », a-t-il déclaré.
Le BR Fest utilisera le lieu qui sera utilisé une semaine plus tôt, du 07 au 09 juillet, par le festival de musique électronique RFM Somnii, également produit par le MOT.
Teatromosca présente les coproductions « Breathe (twelve times) » et « The Protected Ones ».
La première de deux nouvelles coproductions, « Respirar (douze fois) » et « Os protegidos », cette dernière basée sur un événement réel avec des réfugiés, font partie du programme 2023 de Teatromosca, annoncé par la compagnie fondée à Sintra en 1999.
« Respirer (douze fois) », un texte de Marie Suel, dramaturge française qui est aussi claviériste d’un groupe de rock, est un spectacle pour toute la famille centré sur un enfant, un vieil homme et le partage des peurs des deux, selon le texte de présentation de la compagnie.
La première de la pièce est prévue le 16 septembre, à l’Auditorium municipal António Silva (AMAS), à Agualva-Cacém, dans le cadre de MUSCARIUM#9 — Festival des arts du spectacle de Sintra, et est coproduite par teatromosca, Teatro Art’Imagem et La Tête Noire – La Compagnie, un collectif français de la commune de Saran, dans la région de la vallée centrale de la Loire.
La mise en scène de la pièce, avec une musique originale de Noiserv, sera assurée par Patrice Douchet, metteur en scène, directeur artistique et fondateur de la compagnie française en 1985.
En novembre, toujours à l’AMAS, « The Protected », une création théâtrale à partir du texte de l’auteur autrichien Elfriede Jelinek, prix Nobel de littérature 2004, sera présentée en première dans le cadre d’une coproduction de Teatromosca, Theatro Circo, de Braga, et Colectivo Glovo, de Galice.
Basée sur un événement réel, la présence sur le territoire autrichien, fin 2012, de près de 100 réfugiés de diverses nationalités en quête d’asile, la pièce « Les protégés » débute les répétitions en mai et connaîtra des moments de formation ouverts au public.
La pièce est mise en scène par Pedro Alves et bénéficie d’une bande sonore originale interprétée en direct par la violoncelliste Joana Guerra.
« Ciclone », une création de Leonor Cabral et LAMA Teatro, créée au Festival Temps dImages, qui sera sur scène du 19 au 21 janvier, ouvre la programmation 2023 de teatromosca, à AMAS, un espace qui, depuis 2018, est géré par la compagnie.
« Look Back in Anger », la pièce de John Osborne qui a marqué le nouveau théâtre britannique de l’après-guerre et le mouvement des « jeunes hommes en colère » (« young men in anger », en traduction libre), dans les années 1950, sera présentée par la Companhia da Esquina.
Ode Marítima », une pièce basée sur Fernando Pessoa et son hétéronyme Álvaro de Campos, dans laquelle João Garcia Miguel se produit sur scène avec le quatuor Danças Ocultas, « Q de quê », de la compagnie teatro meia volta, et « Provavelmente Saramago », de Musgo Produção Cultural, également de Sintra, figurent parmi les hôtes de la théatromosca pour le premier trimestre 2023.
La reprise de la propre production, en avril, de la pièce pour enfants « Romance do 25 de Abril », d’après le roman homonyme de João Pedro Mésseder et Alex Gozblau, « Time », d’Aldara Bizarro, produit par O Teatrão, et « Samotrácias », de Mákina de Cena, sont d’autres propositions qui seront présentées à AMAS.
La dynamisation des cours de théâtre pour enfants et jeunes, le tutorat des groupes Duas Senas et Teatro Sénior, et la poursuite de Fabricar Teatro, un projet en cours à la Casa da Cultura Lívio de Morais, à Agualva-Cacém, autour des archives de la compagnie, font également partie des activités de l’année prochaine.
« Contre la peur » est la devise du nouveau cycle de programmation que teatromosca démarre en 2023 et prévoit de développer dans les années à venir, selon l’entreprise.
« Le courage n’est pas l’absence de peur, le courage est la marche de la peur », conclut le dossier de présentation de la saison, en citant une phrase de la psychologue Susan David, ajoutant que, « dans cette période historique consacrée à la vitesse », la compagnie teatromosca cherchera à « ralentir et, dans un acte de courage, regarder le monde, prêter attention aux gens et réfléchir ».
Simone de Beauvoir, écrivain « nécessaire
Dans l’étude de Sandra Teroni, la réinterprétation de l’auteur met en évidence le fait que « la liberté est un processus long et ardu, bien que nécessaire pour un monde plus civilisé ».
Paladin des mouvements féministes mondiaux qui ont conduit, étape par étape, à une certaine libération des femmes du patriarcat du XXe siècle, il est aussi la marraine de l’existentialisme littéraire, avec son compagnon de toujours, Jean-Paul Sartre, et les jeunes écrivains résistants de la génération des années 1940 (Jean Paulhan), Albert Camus et Boris Vian surtout), Simone de Beauvoir réapparaît sur la scène littéraire italienne sous une forme entièrement nouvelle, mais « nécessaire », dans le volume récemment publié par Sandra Teroni aux éditions romaines Donzelli (Simone de Beauvoir. Percorsi di vita e di scrittura, Saggine Donzelli, pp. 169, € 18.00).
Retraçant et analysant de manière chronologique les journaux intimes, les témoignages, les articles, les nouvelles et les romans parus tardivement en Italie, le traitement de Teroni révèle le profil d’une femme ès lettres qui n’était pas moins talentueuse qu’on ne le croyait, la figure de Beauvoir ayant été perpétuellement éclipsée par la présence de Sartre – un intellectuel dont la portée morale et les préoccupations politiques étaient trop médiatisées et dont les préoccupations morales et politiques ont parfois éclipsé certains des auteurs les plus talentueux de l’entre-deux-guerres.
La femme ne naît pas, elle devient
Elle varie son œuvre – qui anticipe d’une quinzaine d’années, avec la publication du Deuxième Sexe et l’apparition de la célèbre devise « la femme ne naît pas, elle devient », le mouvement féministe et les revendications pour l’émancipation et la libération des femmes qui auront leur apogée lors de Mai 68 – marquée par rien de moins que le « questionnement/enquête sur elle-même sur ses propres relations affectives et amoureuses, sur le comportement (historicisé) des femmes, sur les différents mécanismes de domination et de connivence, sur les âges de la vie, sur le rapport à son propre corps, sur la perte », comme le raconte l’auteur dans son parcours personnel qui lie toute la vie de l’écrivain français autour du métier d’écrivain, aspect essentiel sinon nécessaire de la relation constante à l’Autre.
Beauvoir parcourt tous les âges de la vie, pour se retrouver finalement dans ce qui a pour elle la « rigidité d’un rideau de fer », le troisième âge. L’ambition est grande : il s’agit d’historiciser la vieillesse et de lui redonner son poids au sein d’une condition humaine où le système alors dominant – le système capitaliste – faisait des personnes âgées un simple objet, utilisant leur force de travail puis les jetant dans l’oubli, bien plus que la femme dans sa revendication constante d’être « l’Autre » par rapport à l’homme (« Lui, l’Absolu »). Porte-parole de la « révolution anthropologique », selon l’expression de Julia Kristeva, il est nécessaire de se remettre à lire Beauvoir pour deux raisons : la première est de comprendre que la liberté est un processus long et difficile, mais nécessaire pour un monde plus civilisé ; la seconde est de mieux comprendre qui nous sommes, et de savoir quelle place nous est assignée dans la société.
Sandra Teroni, Simone de Beauvoir. Percorsi di vita e di scrittura, Saggine Donzelli, pp. 169, € 18.00
Rosalía touche la gloire des Latin Grammy en remportant le meilleur album avec « Motomami ».
Rosalía est le grand phénomène de la musique pop, ou ce que vous voulez appeler son style caméléon, toujours ouvert à l’innovation. Ce jeudi (vendredi matin dans sa ville natale, Sant Esteve Sesrovires), la chanteuse catalane a remporté le premier prix des Latin Grammy Awards à Las Vegas. Son album Motomami a remporté le prix le plus prestigieux, celui de l’album de l’année. Une fois, c’est peut-être de la chance (il l’a gagné en 2019 pour El mal querer), mais deux fois, c’est de la constance. Les prix du meilleur album alternatif, du meilleur enregistrement et de la meilleure production ont clôturé cette grande soirée.
En recevant le premier prix, Rosalía est montée sur scène, visiblement émue, les larmes aux yeux. « Motomami est l’album pour lequel j’ai dû me battre le plus, qui m’a coûté le plus, mais que j’ai poussé en avant et qui m’a donné le plus de joie », a-t-elle éclaté, au milieu des cris d’exaltation du public.
« Merci d’avoir toujours soutenu ma musique, bien que ma musique change toujours, merci à l’Amérique latine pour tant d’inspiration, merci à mon pays pour continuer à me donner de l’amour et pour ne pas me laisser tomber et merci à ma famille, à mon équipe, à Dieu, à l’amour de ma vie (s’adressant à Rauw Alejandro, au premier rang), je t’aime…, et à tous ceux qui sont derrière cet album, tous infatigables, je vous aime, merci beaucoup », a-t-elle conclu dans ses remerciements.
Il s’agit de sa quatrième récompense (il avait neuf nominations) lors d’une soirée au cours de laquelle Jorge Drexler et Ángela Álvarez ont volé la vedette.
L’Uruguayen, avec C. Tangana, a remporté six gramophones, le plus grand nombre, avec son album Tocarte. Parmi ceux-ci, deux des principaux. Lorsqu’il est monté pour prendre possession du prix du meilleur enregistrement de l’année, il a dit que c’était quelque chose d’imprévu.
Quelques minutes plus tard, lorsqu’il reçoit le prix de la chanson de l’année, il insiste auprès du présentateur : « Vous êtes sûr ? Elle a regardé la carte et a vu que oui, c’était lui. « Vous n’avez pas idée à quel point c’est inattendu ». Et il a félicité « tous ceux qui font de la musique urbaine en espagnol parce qu’ils ont amené l’espagnol dans des coins inattendus », a-t-il déclaré.
Bad Bunny, le plus nommé, dans dix catégories, a manqué les trois premiers prix, mais en a remporté cinq. Et malgré son statut de principal candidat, le Portoricain n’a pas assisté à la fête et ne s’est pas présenté à la Michelob Ultra Arena à l’hôtel Mandalay Bay dans Sin City.
La 23e édition de ce qui a été surnommé la meilleure nuit de la musique latine a connu un moment d’authenticité rarement vu auparavant. Au milieu de tant de tatouages, de poses farfelues, de Botox, de tant de stéréotypes, peut-être de tant de « plastique » comme dirait le grand Rubén Blades, le gala a couronné Ángela Álvarez dans la catégorie de la meilleure nouvelle artiste. À 95 ans, il est le plus âgé des nominés et des lauréats de cette catégorie.
En récupérant son gramophone, qu’elle partage avec Silvana Estrada, qui, à 25 ans, pourrait bien être son arrière-petite-fille, la vétérane s’est souvenue de sa fille Marucha (décédée en 1999), « qui, je le sais, profite de ce moment et est fière de sa mère », et a eu des mots pour « ceux qui n’ont pas réalisé leurs rêves ». Elle leur a dit : « Même si la vie est difficile, il y a toujours une issue, avec la foi et l’amour, on peut y arriver, il n’est jamais trop tard ».
Il parlait en connaissance de cause. Il voulait être un artiste et son père ne voulait pas le laisser faire. Elle a ensuite fui Cuba et, aux États-Unis, elle a travaillé dur, sans jamais renoncer à chanter les chansons qu’elle écrivait elle-même, mais uniquement pour la famille, comme son père le lui avait ordonné pendant son adolescence. Il y a huit ans, son petit-fils, Carlos José Álvarez, musicien de profession, a décidé d’enregistrer ses chansons en guise d’héritage familial. Et donc au Latin Grammy.
Son histoire n’a pas d’autre point commun que la musique avec le reste des lauréats de la soirée, qui sont tous des musiciens par profession et par dévouement. Carlos Vives, Christina Aguilera, Fito Páez, Sebastián Yatra, Marc Anthony et Christian Nodal figurent parmi les lauréats.
Le gala a débuté par un hommage à l’auteur-compositeur-interprète mexicain Marco Antonio Solís – élu personnalité de l’année par la Latin Recording Academy – avec des artistes tels que Laura Pausini, Carin Leon et Luis Fonsi.
La fête a donné lieu à de nombreux spectacles en direct, dont Christina Aguilera avec Christian Nodal, Jorge Drexler partageant la scène avec Elvis Costello, Karol G, Los Bukis, Rauw Alejandro, Romeo Santos (pathétique dans son éloge de l’ivresse) et Sebastián Yatra avec John Legend.
L’un des points forts de l’événement a sans aucun doute été la prestation de Rosalía, qui a suscité une ferveur qui semblait anticiper ce qui allait suivre. Elle a commencé, en rouge et au piano, par Hentai, l’histoire d’une baise, puis, vêtue d’une combinaison en latex noir, elle a dansé sur La fama et Despechá, un moment dont elle a profité pour descendre de la scène et danser avec son petit ami et le monde. Selon le New York Times, Rosalía est « la pionnière de la pop ».
L’exposition « Top secret » de la Cinémathèque lève le voile sur les espions au cinéma
Les espions du 7e art se sont donné rendez-vous à la Cinémathèque française dans une formidable exposition, au croisement du mythe et de la réalité.
Après les romans et le théâtre, les espions se sont exportés dès le muet au cinéma sans jamais le quitter. Tout un monde, où James Bond serait roi, Mata-Hari reine et OSS 117 leur improbable rejeton. On les retrouve, et bien d’autres, dans une exposition spectaculaire à la Cinémathèque française jusqu’au 21 mai 2023.
Si les espions existent depuis l’Antiquité, ils se sont considérablement multipliés à partir de la Première Guerre mondiale. Attachée à valoriser les parallèles entre la réalité et les fantasmes qu’ils suscitent, l’exposition de la Cinémathèque mélange histoire, cinéma et géopolitique. Le film d’espionnage se conjugue au présent, plus qu’au passé. La plupart des films se consacrent à des espions ou à des contextes qui leur sont peu ou prou contemporains. C’est 1914 qui donne le « la », raison pour laquelle les salles racontent aussi une histoire de l’espionnage.
Films, technologie et documents jalonnent le parcours dans un constant dialogue entre cinéma et réalité. Le genre se prête à être exposé grâce aux nombreux objets qui le nourrissent. Les gadgets de James Bond en sont l’exacerbation, mais tout le monde connaît le fatal parapluie bulgare, les microfilms et autres photo-cravates. Dans l’exposition, les outils d’espionnage réels voisinent avec les inventions les plus farfelus.
Les splendides dessins exposés de Ken Adams pour les décors de quatre James Bond se révèlent iconiques de la franchise. Le mythique pistolet d’or de Scaramanga, les costumes de Daniel Craig et d’Eva Green dans Casino Royale (2006) côtoient un pardessus gris réversible en un imperméable vert, et de véritables mallettes d’espion précèdent une salle consacrée au KGB et à la Stasi.
« Tenir sa langue », premier roman de Polina Panassenko : pourquoi c’est si important de changer trois lettres dans un prénom
Le premier roman de l’écrivaine russo-française aborde avec une vivacité réjouissante la question de l’exil, et de l’identité, à travers le récit de l’action qu’elle a menée en justice pour retrouver son prénom d’origine.
Le premier roman de Polina Panassenko raconte le besoin viscéral d’une jeune femme de récupérer officiellement son prénom d’origine, francisé après son arrivée en France. Pauline veut redevenir officiellement Polina. L’affaire tient en trois lettres, mais charrie en réalité un enjeu bien plus vaste, toute l’histoire d’une famille d’origine russe, la sienne, marquée par les exils. Une histoire tissée de mots aux consonances étranges, quand elle n’en est pas tout bonnement privée. Tenir sa langue, paru aux éditions de L’Olivier le 19 août 2022, figure dans la deuxième sélection du prix Femina.
L’histoire : une jeune femme souhaite retrouver son prénom d’origine, Polina, francisé en Pauline par l’administration française pour « faciliter son intégration ». Polina a vu le jour en URSS, avant la chute. Elle a passé les premières années de son existence entre le « deux pièces communautaire de l’avenue Lénine » et la datcha, avec ses parents, sa sœur et ses grands-parents. Elle se souvient. En 1990 de l’ouverture du premier MacDo. De l’arrivée le 19 août 1991 dans les rues familières de « grosses boîtes kaki avec une sorte de kaléidoscope intégré ». Elle se souvient aussi de l’atmosphère et des secrets qui se trament dans l’appartement communautaire dans les jours qui suivent, puis de la vie « dans un nouveau pays », la Russie.
En 1993, la famille part rejoindre le père parti en éclaireur en France. Polina se souvient avoir tenté de glisser Tobik, son chat en peluche, dans la valise, en craignant -mystère de la logique enfantine- de provoquer la banqueroute de sa famille. « Immeubles roses, petits drapeaux, des fontaines avec de l’eau qui sort »… Polina se souvient de sa première vision de la France, « sublime », avant de comprendre que son père a choisi d’accueillir sa femme et ses filles avec une première journée à Disneyland…
A Cannes, des élèves jurés du prix Goncourt des Lycéens rencontrent les auteurs en lice
C’est l’une des étapes de ce prix littéraire. Avant sa proclamation, des rencontres régionales sont organisées entre les candidats et les lycéens. Ces échanges sont programmés dans sept villes, dont Cannes. Ils sont, cette année, 2000 élèves à participer au 35e Goncourt des Lycéens . Ils auront la lourde tâche de choisir un roman parmi la liste proposée par l’Académie Goncourt. L’heureux lauréat du prix sera dévoilé le 24 novembre prochain. En attendant, l’heure est aux rencontres régionales.
Après Paris et Lyon, Cannes a organisé, en présence de 150 élèves, ces traditionnels échanges. Un moment très attendu, aussi bien par les lycéens que par les auteurs. Une quinzaine de romans sont en compétition. Chaque écrivain a 15 minutes pour présenter son ouvrage. Dans la salle, les questions fusent. Les auteurs jouent le jeu avec plaisir. « Ce sont mes interlocuteurs préférés. Leurs questions sont toujours très justes. Il y a une sorte de sincérité, d’élan. C’est vraiment très touchant », raconte Monica Sabolo, en lice pour le prix avec son roman La Vie clandestine publié chez Gallimard. Un enthousiasme partagé par Carole Fives qui vient ici défendre Quelque chose à te dire, son sixième roman. « C’est très bien d’intervenir car ils voient que la littérature est plus que jamais vivante en France, qu’il y a une énorme rentrée littéraire », explique la romancière.
Les ouvrages en compétition ont été fournis aux élèves au mois de septembre. Ces échanges leur permettent d’avoir des réponses aux nombreuses questions qu’ils se posent en lisant. « On comprend un peu mieux l’histoire. Le fait de savoir pourquoi et dans quelles conditions ils ont écrit le livre, ce qui les a inspirés, c’est super intéressant », témoigne un lycéen. Le Prix Goncourt des lycéens, organisé par le ministère de l’Education Nationale et la Fnac, a été lancé en 1988.
Pour la série « Stranger Things », Nora Felder a remis Kate Bush au sommet des charts
L’heure de gloire de Kate Bush, c’était les années 1980, mais depuis que la série Netflix « Stranger Things » lui a redonné vie, le titre « Running up that hill » est redevenu le tube du moment.
Running up that hill, titre de Kate Bush de 1985, fut le hit de l’été 2022. Le 30 mai, après la diffusion des premiers épisodes de la saison 4 sur Netflix, les écoutes de cette chanson avaient « augmenté de 8 700% dans le monde » sur Spotify, selon les données de la plateforme musicale, N°1 du marché. Et les plus curieux ont même poussé jusqu’à d’autres anciens titres de l’Anglaise, puisque les écoutes de son répertoire ont « augmenté de 1 600% » sur Spotify à la même période.
« Il ne s’agit pas juste de s’asseoir avec une idée de chanson » : l’Américaine Nora Felder évoque son rôle de coordinatrice musicale de la série à succès Stranger Things, tremplin d’un ancien morceau de Kate Bush revenu au sommet des charts.
« On n’imaginait pas l’ampleur pour Kate Bush »
« C’est incroyable ! On savait que ce serait spécial, car quand on a utilisé le Should I stay or should I go des Clash dans la saison 1, il y a eu un bond des écoutes, avec un intérêt renouvelé et un nouvel intérêt. Mais on n’imaginait pas l’ampleur pour Kate Bush« , confie Nora Felder, jointe au téléphone.
L’Emmy Award, prestigieuse récompense américaine reçue cette année pour son travail sur Stranger Things, lui permet désormais de parler devant un auditoire plus fourni lors des conférences qu’elle anime. Comme elle le fera cette semaine au festival musical parisien du MaMA (qui l’avait déjà invitée avant qu’elle soit dans la lumière). « Les gens pensent qu’il suffit d’arriver avec une belle chanson et voilà, c’est ça ! », s’amuse au sujet de son activité l’Américaine, avec cette dernière expression lâchée en français.
Cyndi Lauper, Iggy Pop
« En réalité, on coordonne tous les aspects autour de la musique d’un projet, que ce soit la partie créative – choisir une musique – mais aussi la définition des budgets, les négociations des droits, déterminer s’il vaut mieux créer une B.O. et engager compositeur et musiciens », détaille celle qui a aussi oeuvré pour les séries Californication et Ray Donovan.
Grandie à Washington, la quinquagénaire a un solide parcours dans l’industrie musicale. Elle avait notamment travaillé à New York, d’abord comme programmatrice dans un club, avant d’être repérée et recrutée par le producteur Phil Ramone pour des enregistrements de Paul Simon, Sinead O’Connor, Cyndi Lauper ou Iggy Pop.
Celle qui a maintenant installé sa société à Los Angeles savait que Kate Bush était « très sélective » pour l’utilisation de son répertoire. « J’ai pris beaucoup de temps pour contacter ses représentants, exposer ce que cela signifiait pour l’histoire, les personnages ». « Quand on a eu son feu vert, ça a été un gros soulagement, car cette chanson coche toutes les cases pour ce passage de la série ».
Fleurs de Metallica
Au moment des discussions, la coordinatrice musicale ne savait pas que Kate Bush était fan de la série. Running up that hill est une chanson pop, qui avait connu le succès dès sa sortie il y a près de 40 ans. Ce n’est pas le cas de Master of puppets de Metallica, dont les écoutes ont gonflé sur les plateformes à la suite de son usage dans Stranger Things. C’est un pur titre metal, avec une structure complexe, loin de la ballade Nothing else matters qui avait permis à Metallica de passer sur les radios à grande écoute.
« Ce morceau colle au personnage d’Eddie, que tout le monde aime : certains refusent le metal comme on refuse d’ouvrir un livre à cause de sa couverture, mais grâce au personnage d’Eddie, les spectateurs ont ouvert le livre et aimé ce titre de Metallica », décortique Nora Felder.
En retour, le jour de sa nomination aux Emmy, le groupe californien lui a fait livrer des fleurs et un coffret collector de Master of puppets, album de 1986. « Et ils me suivent même sur leurs réseaux, quand j’ai vu ça, je me suis dit Oh, c’est génial, c’est Metallica ! Je suis restée une gamine quand il s’agit de musique ».
Découvrez « Vivre » de Michel Berger, une chanson inédite qui célèbre la vie et la beauté de la nature
Enregistrée aux Etats-Unis à l’époque des sessions de l’album « Beauséjour », cette chanson en avait été écartée faute de place.
C’est une ravissante chanson écrite il y a un peu plus de quarante ans et restée pourtant inédite toutes ces années : Vivre, publiée vendredi 7 octobre, est une pépite qui permet de retrouver la voix de Michel Berger intacte en 2022. Visionnaire, le chanteur y célèbre la vie sur Terre et l’incroyable beauté de la nature.
« Les fleurs et les animaux / Sont tous un peu de ma famille / On est tous partis de rien« , chante-t-il notamment accompagné de son piano. « Torrents ruisseaux / Faire faire couler l’eau / Regarder comme on est beaux / Vivre ! / Plantes, plantes grimpez / Sève dans mon corps / Venez danser sur l’accord et vivre / Soleil, terre, forêts des plaines / Entrez dans le sang de nos veines / Nous devons devenir forts / Nous devons vivre. »
Un titre écarté de l’album « Beauséjour »
Cette chanson avait été enregistrée aux Etats-Unis en 1980 à l’occasion des sessions de Beauséjour, son cinquième album. Mais faute de place (sur le vinyle), Vivre avait été écartée de ce disque. Un album qui vit enfin triompher Michel berger en tant que chanteur avec notamment le tube La groupie du pianiste, mais aussi, dans une moindre mesure, avec Celui qui chante et Quelques mots d’amour. Car jusque-là, Michel Berger n’avait réussi à s’imposer qu’en tant qu’auteur-compositeur, en particulier avec l’opéra-rock Starmania deux ans plus tôt.
A l’occasion des trente ans de la disparition de Michel Berger, un album Best-of paraîtra le 28 octobre chez Warner, et un album constitué de titres de ses débuts serait également dans les starting blocks. Quant à Starmania, la très attendue nouvelle version 2022, mise en scène par Thomas Jolly, débute à Nice lors de deux avant-premières vendredi 7 et samedi 8 octobre. Elle sera ensuite présentée à Marseille et à Nancy avant de s’installer à partir du 8 novembre à La Seine musicale et jusque fin janvier.